“Una película de terror te dice de qué tiene miedo un país mucho mejor que un drama”

Alejandro Ibáñez Nauta es director, guionista y productor de cine y televisión. Hijo de Chicho Ibáñez Prointel y nieto de Narciso Ibáñez Menta y Pepita Serrador, pertenece a la tercera generación de una de las grandes sagas del espectáculo en español. Desde 2011 dirige Prointel, la productora que su padre fundó en 1970 como primera productora independiente de España y de la que salieron títulos como Historias para no dormir o Un, dos, tres... responda otra vez.

–Usted ha reconocido que el terror forma parte de su identidad cinematográfica. ¿qué le permite contar este género que no encuentra en otros?

El terror me permite contar lo que en otro género no se puede, nuestro lado más morboso, más perverso, los miedos que arrastramos desde pequeños, esa pesadilla que siempre nos ha rondado la cabeza. El género te da permiso para ir más allá de lo que te permite la realidad y, sobre todo, para jugar con la imaginación del espectador, que al final es quien se asusta a sí mismo. Tú solo le das la pista.

–¿El terror contemporáneo refleja mejor que otros géneros los temores de una sociedad? 

Sin duda. El terror siempre ha sido un espejo. Cada época tiene sus miedos y el género los recoge antes que nadie. Mi padre lo hizo en ¿Quién puede matar a un niño? con la violencia contra la infancia, y hoy el género lo sigue haciendo con la soledad, la familia, las pantallas o el miedo a lo que no controlamos. Una película de terror te dice de qué tiene miedo un país mucho mejor que un drama, porque no te lo explica, te lo hace sentir.

–¿Cómo se consigue homenajear a Chicho sin quedar atrapado en su sombra?

Es muy difícil, por no decir imposible. La sombra de mi padre, por lo menos para mí, es muy alargada y lo ha tocado todo, el teatro, el cine, la televisión, la radio, y todos los géneros, el humor, el drama, el terror. Yo no intento salir de ella, sería absurdo. Lo que intento es no imitarle. Quedarme con lo que me enseñó, el respeto al espectador y el rigor, y contar mis historias a mi manera. Si además alguien descubre a mi padre a través de lo que hago yo, mejor.

–¿Hay algún proyecto o historia que todavía sienta que tiene pendiente realizar en su memoria? 

Sí. Hay una tercera película que mi padre no llegó a hacer, la que iba a rodar después de ¿Quién puede matar a un niño? Es un guion que guardo con mucho cariño y que precisamente este último año estoy reescribiendo y actualizando para intentar sacarla adelante. No puedo contar mucho más todavía, pero es la historia que siento que le debo.

–¿Puede un cortometraje tener hoy tanta fuerza narrativa como un largometraje? 

No es que pueda, es que muchas veces tiene más. En un corto hay que contar mucho en muy poco tiempo y eso no perdona, no hay sitio para el relleno, cada plano tiene que estar ahí por algo. Un largo puede permitirse un bache de diez minutos, un corto no, si no funciona se nota en el minuto dos. Por eso un buen corto es una demostración de control enorme, y cuando te golpea, te golpea con más fuerza que muchas películas de dos horas.

–¿Qué debe tener una historia para convencerle como director o productor en apenas unos minutos?

Que me la puedas contar en una frase. Y en esa frase tiene que estar todo, quién es el protagonista, qué quiere, qué se lo impide y por qué me tiene que importar. Si además esa frase tiene un giro que no he visto antes, ya me tienes. Y luego, que quien me la cuenta tenga claro el final. Si no sabe cómo acaba su historia se le nota en la cara, y si no lo sabe él, no lo voy a saber yo.

–¿Qué importancia tienen los festivales de cortometrajes para descubrir nuevos cineastas y darles sus primeras oportunidades?

Son el trampolín. En ningún otro sitio se pueden ver cortometrajes, ni en la televisión ni apenas en las plataformas. Un festival es la única ventana donde un director nuevo puede enseñar su trabajo a un público, a la prensa y a los productores que andamos buscando talento. Muchas carreras han empezado con un premio en un festival pequeño. Por eso son tan importantes, porque sin ellos muchos de esos directores no existirían para la industria.

–Soria es una provincia marcada por la despoblación y la distancia respecto a los grandes centros de producción cultural. ¿puede el cine contribuir a cambiar esa realidad? 

No creo que el cine cambie esa realidad por sí solo, sería engañarnos. Lo que sí puede es aportar su granito de arena. Un rodaje deja dinero en los hoteles, en los restaurantes y en los equipos locales, y si lo que se rueda es una gran serie, después llega el turismo de la gente que quiere ver dónde se hizo. Si un territorio consigue que se ruede allí de manera continuada, eso crea puestos de trabajo y una industria pequeña pero real. Para eso hace falta que las administraciones lo faciliten y que haya continuidad, porque un rodaje suelto no cambia nada, pero diez seguidos sí empiezan a cambiar cosas.

–¿Qué consejo daría a un joven director que presenta su primer cortometraje en un festival como el de Soria? 

Que disfrute, porque no hay nada más bonito que contar historias. Que vea todos los cortos de sus compañeros, que hable con la gente y que escuche lo que le digan de su trabajo, aunque no le guste. Que no se quede en el hotel esperando el palmarés. Y que siga viendo, leyendo y viviendo, porque las historias nuevas salen de lo que ves, de lo que lees y de lo que te pasa. Un último consejo, que empiece ya el siguiente. El corto que presenta es su tarjeta de visita, no su meta.